The Artists

Originaria de la Ciudad de México y actualmente residente en Nueva York, Magos Herrera es una deslumbrante cantante, compositora, productora y educadora el ámbito del jazz. Magos es considerada una de las voces más hermosas y expresivas, y una de las vocalistas más activas en la escena del jazz contemporáneo latinoamericano. Es ampliamente conocida por su elocuente capacidad de improvisación vocal y su audaz estilo único, que se caracteriza por su particular forma de mezclar la visión del jazz contemporáneo con melodías y ritmos latinoamericanos y su antigua herencia ibérica. Magos canta en español, portugués e inglés, en un estilo que deja entrever elegantemente un lenguaje que trasciende fronteras. Ha grabado seis álbumes como solista y ha colaborado en trabajos conjuntos para otras dos producciones con el celebrado productor español, Javier Limón, además de sus participaciones como artista invitada en varias grabaciones y álbumes. Consumada vocalista, Magos ha recorrido escenarios en todo el mundo incluyendo Lincoln Center en NYC, Kennedy Center en DC, Palacio de Bellas Artes en Ciudad de México, Círculo de Bellas Artes en Madrid, Union Chapel en Londres , Duc des Lombardes en Paris, Kamani Auditorium en Delhi, Palau de la Musica en Valencia, y ha figurado en los programas artísticos de los festivales de jazz más importantes internacionalmente  como Montreux Jazz Festival , Montreal  Jazz Festival, Festival Internacional Cervantino, por mencionar algunos. Durante toda su carrera, ha ganado importantes premios y reconocimientos, incluida su nominación a la lista corta de los Grammys Internacionales, como Mejor Álbum de Jazz Vocal por su producción del 2009, Distancia. Además es la primera vocalista femenina en recibir el premio Master of Latin Music Award otorgado por Berklee Collage of Music. Magos es gran impulsora de causas en favor de la mujer, y como portavoz de ONU Mujeres ha tenido un papel activo en las campañas UNITE para poner fin a la violencia contra las mujeres  y “He for She”, para promover la igualdad de género. Actualmente es asesora artística para el recinto cultural de vanguardia “National Sawdust” en Brooklyn y es colaboradora habitual en programas de radio y televisión en México, y desde Nueva York, produce y conduce un programa semanal para el Instituto Mexicano de la Radio en Horizonte Jazz 107.9FM. En 2017 fue artista invitada junto con Eugenia León en un álbum homenaje al reconocido poeta mexicano, Octavio Paz y al documental, “La guitarra vuela”, un tributo al reconocido guitarrista flamenco Paco de Lucía y presentó el homenaje a Mercedes Sosa en Nueva York al lado de Pedro Aznar y Ed Simon Trio.

En Septiembre del 2018 Magos lanzó su noveno album: Dreamers (Sony Music) en  colaboración con el celebrado cuarteto de cuerdas Brooklyn Rider. Aclamado por el público y la crítica especializada, Dreamers se posicionó en una semana desde su lanzamiento en  #1 Amazon,  #2 iTunes, #2 Mixup México (Jazz) en ventas y fun incluido en las listas de la mejor música del 2018 en el New York Times, Billboard classical, NPR Music, NPR Alt Latino, PRI The world, KPCC-FM, KPFK’S Global Village y ha sido nominado a los Grammys Internacionales como Mejor Arreglo con la canción “Niña”. Este album incluye gemas del repertorio Ibero-American re-imaginadas por un extraordinario grupo de arreglistas que incluyen a Jaques Morelenbaum, Gonzalo Grau, Diego Schissi, Guillermo Klein y Colin Jacobsen.

En 2018 Magos recibió la Medalla Omecíhuatl, premio que otorga el Instituto de las Mujeres del gobierno de la Ciudad de México como reconocimiento por su destacada contribución para el empoderamiento de las mujeres a través de las artes y la cultura, así mismo ha sido incluida dentro de la lista de  los 100 mexicanos mas creativos en el mundo por la revista Forbes y ha sido invitada a formar parte del nuevo Consejo de Diplomacia Cultural del Gobierno de México y es actual recipiente del premio de Chamber Music Americas  para nuevos trabajos en Jazz.

Paola Prestini ha colaborado con poetas, cineastas y científicos en obras multimedia a gran escala que reflejan su interés por temas extramusicales que van desde el cosmos hasta el medio ambiente. Sus composiciones han sido comisionadas e interpretadas en la Academia de Música de Brooklyn, el Barbican Centre, el Festival de Cine de Cannes, el Carnegie Hall, la Orquesta Sinfónica de Chicago, el Centro Kennedy, la Filarmónica de Los Ángeles y la Ópera de Los Ángeles, entre otros. Creó la mayor ópera comunitaria de realidad virtual con la Hubble Cantata, formó parte de la legendaria iniciativa del Proyecto 19 de la Filarmónica de Nueva York y ha escrito y producido proyectos a gran escala como el eco-documental The Colorado narrated by Mark Rylance (estrenado y encargado por el Museo Metropolitano de Arte y la Houston Da Camera Series) y la aclamada obra de teatro de ópera Aging Magician (estrenada y encargada por el Walker Arts Center y el Krannert Center, con actuaciones en ASU, el New Victory Theater y la Ópera de San Diego).

Prestini es conocida por sus papeles de romper techos de cristal y de género, incluyendo ser la primera mujer en la Iniciativa de Nuevas Obras con su gran ópera Edward Tulane (Ópera de Minnesota), y por unir la inteligencia artificial y la visibilidad/impacto de la discapacidad en la ópera de cámara Sensorium Ex (Proyectos de la Ópera de Atlanta y Beth Morrison para el Festival de Prototipos). Sus próximas obras incluyen conciertos de piano para Awadagin Pratt y A Far Cry, y Lara Downes con la Sinfónica de Louisville, el Festival de Bach de Oregón y el Festival de Ravinia.

Es cofundadora y directora artística de la institución e incubadora de artes con sede en Brooklyn, National Sawdust, y como parte de su compromiso con la próxima generación y la equidad, inició el Concurso Hildegard para compositores femeninos, trans y no binarios emergentes y la Beca Blueprint para compositores emergentes con The Juilliard School. Fue becaria de Paul y Daisy Soros y de Sundance, ha sido residente en la Park Avenue Armory y en el MASS MoCA, y se graduó de la Juilliard School.

Ashley Tata, directora, crea obras multimedia de teatro, ópera contemporánea, performance, cyberformance, música en vivo y experiencias de inmersión. Estas han sido presentadas en lugares y festivales en todo EE.UU. e internacionalmente, incluyendo Teatro para una Nueva Audiencia, LA Opera, Austin Opera, Miller Theater, National Sawdust, EMPAC, BPAC, Crossing the Line Festival, Holland Festival, Prelude Festival, National Centre for the Performing Arts en Beijing, y el Fisher Center en Bard. Estas obras han sido llamadas "fervientemente inventivas" por Ben Brantley en The New York Times, "extraordinariamente poderosas" por Los Angeles Times y la puesta en escena de Ipsa Dixit de Kate Soper fue nombrada "producción notable de la década" por Alex Ross de The New Yorker. Desde el cierre teatral inducido por la pandemia, Tata concibió y dirigió una ciber-presentación en vivo de Mad Forest de Caryl Churchill que se transfirió del Fisher Center del Bard College a TFANA Off-Broadway; un club nocturno virtual con acceso a Zoom y una fiesta de baile llamada The Boot with Beth Morrison Projects; un vídeo musical para la banda de rock Sylvan Esso; una adaptación de integración paisajística, físicamente bailada, de Ten Thousand Birds de John Luther Adams con el grupo Alarm Will Sound en PS21 en Chatham, Nueva York; y la transmisión en directo por Internet de la serie de conciertos del Festival de Música del Bardo "Out of the Silence" para el año 2020. Tata está actualmente en residencia en los estudios de Coffey Street trabajando en las primeras fases de varios proyectos, incluyendo una exploración de las obras de la dramaturga y novelista Chana Porter y dos obras multimedia de "ópera" para la música, Crown Poppea! Una ópera de muestra música-vídeo-electrónica-remezcla (después de Monteverdi) reescalada por Ted Hearne y con Eliza Bagg y una ópera de realidad virtual sobre el código de tiempo de los árboles. El título de trabajo, Virtual RealiTree, se ha creado en colaboración con compositores/diseñadores/artistas interdisciplinarios y multiplataforma, Eliza Bagg, Afsoon Pajoufar, Sadah Espii Proctor, Booker Stardrum y Aoshuang Zhang. Elementos de estos y otros proyectos siguen basándose en una investigación de tecnologías de transmisión en directo con los socios de Liminal Entertainment y el diseñador/director Eamonn Farrell. Estas exploraciones continuarán en la primavera cuando Tata tome la residencia en la Academia de Música de Brooklyn como uno de los miembros de la cohorte inaugural de artistas en residencia que han nombrado para la temporada 20/21.

Después de obtener un MFA en dirección de la Universidad de Columbia, Tata ha enseñado o ha sido artista invitado en la Universidad de Columbia, la Escuela de Música de Mannes, la Universidad de Harvard, el MIT, el A.C.T., el Marymount Manhattan College, el Colgate College, el Bard College y el LIU Post. Miembro del Laboratorio de Directores del Teatro del Lincoln Center; ganador del Premio al Artista Emergente en Artes y Ciencias de la Fundación Lotos, y ganador de la beca Robert L. B. Tobin de Director/Diseñador de 2017.

Kevork Mourad emplea su técnica de dibujo y animación en vivo en concierto con los músicos - desarrollando una colaboración en la que el arte y la música armonizan entre sí. Entre sus colaboradores se encuentran Yo-Yo Ma, Kim Kashkashian, Los Angeles Master Chorale, Brooklyn Rider, The Knights, Perspectives Ensemble, Paola Prestini y Kinan Azmeh y ha actuado en muchas instituciones, incluyendo el Museo Aga Khan (Toronto), el Instituto de Arte de Chicago, El Museo Americano de Historia Natural, el Museo de Arte de Brooklyn, el Museo de Arte del Bronx, el Carnegie Hall, la ElbPhilharmonie (Alemania), la Escuela de Diseño de Rhode Island, el Museo de Nara (Japón), el Atrio del Centro Lincoln, el Museo Metropolitano de Arte y el Walt Disney Concert Hall.

Nacido en Qamishli, Siria, Mourad ahora vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Recibió su Maestría en Bellas Artes en el Instituto de Bellas Artes de Ereván en Armenia. Mourad ha sido un artista docente residente en la Universidad de Brandeis, en la Universidad de Harvard y en Holy Cross (Worcester). Es el único artista visual miembro del Silk Road Ensemble de Yo-Yo Ma y aparece en la película "Music of Strangers" (2016).

Entre sus encargos recientes se encuentran Israel en Egipto, para el Coro Maestro de Los Ángeles, Sound of Stone para acompañar la exposición "Armenia!" para el Museo Metropolitano de Arte y Well Wish Ya, una pieza de danza con la Compañía de Danza OYO en Namibia. Su actuación, Home Within, coproducida con el clarinetista Kinan Azmeh, ha recorrido el mundo. El ganador del Premio de Cine de la Fundación Robert Bosch en 2016, su película animada 4 Acts for Syria se estrenó en 2019 en el Festival de Animación de Stuttgart. Recientemente la Fundación Aga Khan le pidió que creara un dibujo-escultura de 20 pies específico para el lugar, llamado Seeing Through Babel, en el Centro Ismaili de Londres, que trata de la importancia de la diversidad en nuestros tiempos contemporáneos.

Uniforme pero individual, suave pero robusto, preciso pero fluido, esta versatilidad es la esencia del sonido de Sjaella. Los seis cantantes unieron sus fuerzas hace muchas lunas y continúan descubriendo nuevas formas de diversificar su sonido. Están abiertos a nuevas influencias, aman la diversidad musical y tienen el coraje de desafiar las barreras. Se sienten cómodos con su amplio repertorio que comprende varios géneros. Esta misma diversidad, junto con la estrecha relación que el grupo mantiene con sus fans, ha allanado el camino, durante muchos años, para la participación de Sjaella en festivales de música de renombre, tanto nacionales como extranjeros, y han sido galardonados con los primeros premios en concursos internacionales de música vocal.

Constellation Chor es un conjunto de actuaciones vocales compuesto por compositores, cantantes, bailarines y actores, y fundado por la compositora de teatro musical y coro interdisciplinario Marisa Michelson. 

El conjunto actúa a nivel internacional y en la ciudad de Nueva York, y se ha expandido orgánicamente en la comunidad de nueva música de la ciudad de Nueva York, haciendo su debut en el Lincoln Center estrenando el filamento de Ashley Fure con la Filarmónica de Nueva York y Jaap van Zweden en septiembre de 2018, y haciendo su debut en Kitchen estrenando la pieza de Sarah Hennies con Claire Chase en marzo de 2019. Desde 2016, Constellation Chor ha estado en residencia en la histórica Judson Memorial Church, participando en la intersección del canto, el movimiento, la escucha profunda y el músico-teatro. Interpretan piezas interdisciplinarias compuestas por Michelson, y colaboran con otros compositores, coreógrafos, directores y profesionales de la atención plena. Actualmente también están en residencia en Spectrum en Brooklyn, donde actúan mensualmente.

Actualmente, el Coro se presenta mensualmente en residencia en Spectrum en la ciudad de Nueva York.

The Young People’s Chorus of New York City (YPC) es reconocido mundialmente por sus galardonadas actuaciones y su espectacular arte. Pero el coro surgió de unos comienzos humildes. Todo comenzó con Francisco J. Núñez, un joven prodigio del piano en Washington Heights cuya vida cambió profundamente por la música. A través de su talento musical, conoció y socializó con niños con los mismos intereses musicales, pero de diferentes orígenes culturales y económicos.

Él aprendió de ellos, y ellos aprendieron de él. Inspirado por esta experiencia infantil, Núñez creó un coro infantil basado en la diversidad, utilizando la música como fuerza unificadora para comprometer y enseñar a sus coristas. Al fundar YPC, Núñez cumplió su sueño de reunir a niños de todas las condiciones sociales para hacer música hermosa y amistades, creando nuevas oportunidades y un futuro más brillante para miles de niños de YPC y sus comunidades.

La Orquesta Sinfónica de Minería es una asociación civil sin fines de lucro que fue constituida por un grupo de estudiantes universitarios mexicanos, quienes voluntariamente asumen la noble misión de fomentar y cultivar la cultura musical, una de las más bellas expresiones del arte, formando la Orquesta Sinfónica de Minería , un cuerpo artístico que es considerado un grupo de primer orden.

A partir de ese momento, la participación del Rector de la Universidad Nacional Autónoma de México, como Presidente Honorario, y del Director de la Facultad de Ingeniería, como Vicepresidente Honorario, ha sido una tradición.

Es importante destacar la gran trayectoria de trabajo continuo, en la que siempre se ha distinguido por la calidad y ejecución de sus programas, con la participación de solistas, directores invitados y grupos corales de talla mundial. Compositores mexicanos y extranjeros han realizado obras para el grupo, algunas expresamente encargadas y otras más como símbolo de su afecto por el mismo.

El multinstrumentista Gonzalo Grau comenzó sus estudios musicales a los tres años en Caracas. A lo largo de su trayectoria musical desarrolló habilidades en muchos instrumentos, desde la viola da gamba y el violonchelo hasta el cajón flamenco y su instrumento principal, el piano.

Suma Cum Laude del Berklee College, Gonzalo se ha establecido como multi-instrumentista y sus variados créditos incluyen actuaciones con proyectos musicales venezolanos como Maroa, Schola Cantorum de Venezuela, Camerata de Caracas y la Orquesta Juvenil Nacional Simón Bolívar, el icono del jazz María Schneider y el gigante del jazz latino Timbalaye. Como director musical dirige dos proyectos propios, "Plural" (fusión latino-jazz-flamenco-venezolano) y "La Clave Secreta" (fusión de salsa), nominado a los Grammy 2008 en la categoría de Mejor Álbum Tropical. Como artista de grabación, Grau ha participado en más de ochenta producciones que tienden un puente entre el mundo de la música clásica y el de la música popular.

Con su sombrero de compositor y arreglista, sus logros incluyen colaboraciones de composición junto a Osvaldo Golijov para la ópera Ainadamar y La Pasión Según San Marcos. Entre sus obras originales figuran la obertura Pregunta y Respuesta, encargada por la Sinfónica de Atlanta (estrenada en marzo de 2008), Café con Pan, encargada por la Sinfónica de Chicago para la serie de conciertos MusicNow (estrenada en noviembre de 2008), Nazareno (suite para dos pianos y orquesta completa), encargada por los pianistas Katia y Marielle Labeque (estrenada en enero de 2010), el oratorio Aqua, encargado por la Academia Internacional de Bach, ganador del Premio Europeo de Composición 2011, premio otorgado por el Festival Euroclásico Joven de Berlín (estrenado en agosto de 2011); Viaje, fantasía para orquesta completa y "conjunto latino", encargado por la Boston Landmarks Orchestra (estrenado en junio de 2012), y Fantasía de Guayaba Habanera, concierto para violín encargado por Johnny Gandelsman y la Community MusicWorks (estrenado en mayo de 2013).

Jeffrey Zeigler es uno de los violonchelistas más innovadores y versátiles de nuestro tiempo. Ha sido descrito como "ardiente", y un intérprete que actúa "con una simplicidad y belleza de tono no forzada" por el New York Times. Aclamado por su faceta independiente, Zeigler ha encargado docenas de obras y es admirado como un potente colaborador y un improvisador único. Zeigler ha recibido el Premio Avery Fisher, el Premio de Música Polar, el Premio al Mérito del Presidente de la Academia Nacional de Artes Grabadas (Grammy's), el Premio del Servicio Nacional de Música de Cámara de América y el Premio al Logro Cultural de la Sociedad Asiática.

La polifacética carrera de Zeigler ha dado lugar a colaboraciones y giras con una amplia gama de artistas, desde Yo-Yo Ma y Tanya Tagaq hasta Philip Glass y Hauschka, y desde John Zorn y John Corigliano hasta Laurie Anderson y Siddhartha Mukherjee. También ha actuado como solista con la Filarmónica de Los Ángeles, la Sinfónica de la Radio Real Danesa y la Orquesta del Ulster bajo las batutas de JoAnn Falletta, Dennis Russell Davies, Peter Oundjian y Dmitry Sitkovetsky. 

Aclamado como "intensamente conmovedor" y "virtuoso" por The New York Times y "fascinante" por The New Yorker, el ganador del premio Opus Klassik en 2019, el clarinetista y compositor Kinan Azmeh ha ganado reconocimiento internacional por lo que la CBC ha llamado su "increíblemente rico sonido" y su distintiva voz compositiva en diversos géneros musicales.

Originario de Damasco, Siria, Kinan Azmeh lleva su música a todos los rincones del mundo como solista, compositor e improvisador. Entre sus apariciones destacadas se encuentran la Ópera Bastilla, París; el Gran Salón Tchaikovsky, Moscú; el Carnegie Hall y la Asamblea General de las Naciones Unidas, Nueva York; el Royal Albert Hall, Londres; el Teatro Colón, Buenos Aires; Der Philharmonie, Berlín; la Biblioteca del Congreso, el Centro Kennedy, Washington DC; el Mozarteum, Salzburgo, la Elbphilharmonie de Hamburgo; y en su Siria natal, en el concierto inaugural de la Ópera de Damasco.

Ha actuado como solista con la Filarmónica de Nueva York, la Sinfónica de Seattle, la Orquesta de la Radio de Baviera, la Orquesta West-Eastern Divan, la Filarmónica de Qatar y la Orquesta Sinfónica de Siria, entre otras, y ha compartido el escenario con luminarias musicales como Yo-Yo Ma, Marcel Khalife, Aynur, Daniel Barenboim y Jivan Gasparian.

En 1985, Romero Lubambo llegó a los Estados Unidos, y trajo consigo un nuevo sonido en la guitarra de jazz brasileña.

El toque de la guitarra de Romero une los estilos y ritmos de su herencia musical brasileña nativa con su fluidez en la tradición del jazz americano para formar un nuevo sonido distintivo.

Desde los ritmos frescos y sofisticados de su Brasil natal hasta el hard bop, Romero es un guitarrista que se siente cómodo en cualquier escenario musical. Es un solista e improvisador musical extraordinariamente dotado con un flujo constante de pensamientos musicales impredecibles y con el virtuosismo necesario para llevarlos a cabo.

Después de llegar a la ciudad de Nueva York, Romero se estableció rápidamente como un guitarrista de "primera llamada" y de gira que era demandado no sólo por su auténtico sonido brasileño, sino también por su dominio de una variedad de estilos.

Lubambo ha actuado y grabado con muchos artistas destacados, entre ellos Dianne Reeves, Michael Brecker, Yo-Yo Ma, Kathleen Battle, Diana Krall, Herbie Mann, Wynton Marsalis, Gal Costa, Kurt Elling, Kenny Barron, Luciana Souza, Cyro Baptista, Sergio y Odair Assad, Ivan Lins, Grover Washington Jr, Vernon Reid, Flora Purim y Airto, Paquito D'Rivera, Harry Belafonte, Larry Coryell, Gato Barbieri, Leny Andrade, James Carter, Paula Robison, Dave Weckl, Jason Miles y Cesar Camargo Mariano... entre muchos otros.

El guitarrista y compositor Vinicius Gómes lanzó su primer álbum totalmente de autor, "Resiliencia", en 2017, dedicado a la fusión del universo brasileño con el jazz moderno.

Ha actuado con importantes compositores e intérpretes, como Zizi Possi (con quien actúa como guitarrista y arreglista en el espectáculo "À Flor da Pele"), Rosa Passos, Jane Duboc, Arthur Verocai y Oswaldinho do Acordeon, así como nombres de la música instrumental como Toninho Ferragutti (con quien grabó el álbum "A Gata Café", ganador del Premio Brasileño de Música 2017), Thiago Espirito Santo, Robertinho Silva y Mestrinho. También ha trabajado con orquestas como la OSESP y la Jazz Sinfônica de SP.

Tiene una maestría de la ECA / USP, donde escribió la obra "Helio Delmiro - Composiciones para Guitarra Solista", ganadora del PROAC 2015 en la categoría de música instrumental.

Ha participado en varias obras de autor en la música instrumental brasileña con músicos como Daniel de Paula, Guilherme Ribeiro, Rafael Abdalla y Alexandre Silverio, además de ser uno de los líderes del grupo KVAR.

Ha actuado en festivales como: Festival Internacional de Jazz de Buenos Aires (ARG), Festival de Jazz de Capão (Chapada Diamantina - BA), Jazz a La Calle (Mercedes - Uruguay), Festival de Bourbon Street (Paraty - RJ), FIMUPA (Belém - PA) Festival de Jazz de La Plata (ARG), Festival de Garanhuns (PE), SESC Jazz & Blues (SP). También se presentó en Finlandia, Suecia y Colombia.

Diego Schissi nació en Buenos Aires, en 1969. Sus estudios musicales se realizaron en el Conservatorio Nacional Carlos López Buchardo y en la Universidad de Miami. Estudió piano con Susana Agrest, Ana Cigarrán y Ana Stampalia, y armonía y contrapunto con Daniel Montes, Manolo Juárez y Oscar Edelstein.

Entre 1989 y 1996, vivió y estudió en los Estados Unidos, donde tuvo la oportunidad de tocar con muchos grandes, entre ellos Tito Puente, Néstor Torres, María Schneider, Peter Nero y los Boston Pops. De vuelta en Buenos Aires, recibió una beca del Fondo Nacional de las Artes.

En 2000 fue elegido como miembro de la primera formación de la orquesta de la escuela de tango de Emilio Balcarce, con la que viajó a París y se presentó en el Théâtre National de Chaillot, y grabó el álbum De contrapunto (EPSA, 2000). Cofundó el legendario Quinteto Urbano, conjunto que grabó tres discos y recibió el premio Konex de Platino. Diego ha compuesto música para numerosas películas y obras de teatro. En 2008 publicó su primer álbum en solitario, Tren (EPSA), con una formación de doble cuarteto.

En la actualidad actúa con su quinteto, que cuenta con Guillermo Rubino en violín, Santiago Segret en bandoneón, Ismael Grossman en guitarra y Juan Pablo Navarro en contrabajo. Invitados: Juan Martín de Urquiza en trompeta y Martín Pantyrer en clarón. Desde 1996 da clases particulares en forma ininterrumpida. Es miembro fundador del proyecto Tango Contempo.

Eamonn Farrell es un creador de teatro y diseñador de video con base en Virginia. Su trabajo se centra en investigar cómo las tecnologías innovadoras pueden apoyar y elevar el trabajo de los artistas en vivo para crear experiencias inolvidables. Con su compañía de teatro con sede en Brooklyn, Anonymous Ensemble, ha creado docenas de espectáculos, instalaciones y transmisiones en vivo por Internet originales y con infusión de medios en la ciudad de Nueva York y en todo el mundo. Entre sus producciones más destacadas se incluyen: The Best (Festival de la Fábrica de Hielo, Festival Internacional de Brisbane), Wanderlust (Edinburgh Fringe, Gira por el Reino Unido, Gira por Noruega), The Return (Theatro Chora, Theatro Roes), The Turing Opera (Ópera Nacional Griega, Aserrín Nacional), LIEBE LOVE AMOUR! (AQUÍ, Preludio, Duque, Wesleyan, El Nuevo Ohio), I Land (NC Stage, Princeton, Incubator Arts), Ship of Fools (AQUÍ), y The Future (UNC, Chashama). Eamonn diseña extensamente videos para Lee Breuer de Mabou Mines, incluyendo: Patafísica Pennyeach, La Divina Caricatura, Opera Antigone, y Medea.  Eamonn también colabora frecuentemente con la artista Sarah Michelson en la creación de proyectos de performance e instalación. Otros créditos de diseño incluyen: Big Dance Theater, B3 Dance (Nominación Bessie), LA Dance, The LA Phil, Parsons Dance, Jazz at Lincoln Center, y Portland Center Stage. Eamonn ha enseñado diseño de proyecciones en Princeton, City College de Nueva York y UVA.

Como informático y artista independiente, Andy Carluccio es un apasionado de las intersecciones del arte y la tecnología. Desarrolla y despliega aplicaciones para su uso en las artes escénicas en vivo, en particular en los ámbitos del entretenimiento teatral y la transmisión de vídeo en vivo. Su investigación se centra actualmente en la automatización y la visualización para el diseño de actuaciones en vivo.  Traducción realizada con la versión gratuita del traductor www.DeepL.com/Translator

Reuniendo un equipo con experiencia en cine, teatro y radiodifusión, Liminal Entertainment Technologies desarrolla software y sistemas innovadores para numerosas industrias del entretenimiento. Levantándose para satisfacer las necesidades creadas por la pandemia actual, Liminal creó la aclamada utilidad, ZoomOSC, y se ha establecido como un nombre de estreno en el teatro virtual. Actualmente especializado en la actuación descentralizada, eventos virtuales y transmisión en vivo, Liminal se prepara para lanzar su ecosistema de software StreamWeaver, el cual abrirá nuevos horizontes para eventos y actuaciones tanto virtuales como en persona. El equipo de Liminal se basa en el lema "Adaptarse al presente, construir para el futuro" mientras se esfuerza por ser pionero en el futuro del entretenimiento.

Alex Venguer nació y creció en Ciudad de México.  Después de terminar sus estudios de preparatoria se mudó a Boston para estudiar producción e ingenieria de audio en Berklee College of Music. Además de cumplir con los requisitos de la carrera, Alex tomó varias clases en los departamentos de composición clásica y arreglo. Tras terminar sus estudios en Berklee, Alex se mudó a Nueva York donde empezó a trabajar como asistente general y luego como asistente en el estudio Sound On Sound.  Durante este tiempo, Alex fue parte de la unión entre  Sound on Sound y Right Track, la cual dio origen a Legacy Recording Studios.  En estos años tuvo la oportunidad de trabajar y aprender de varios de los mejores ingenieros y artistas del mundo.  Eventualmente Alex decidió dejar su trabajo como asistente y convertirse en un ingeniero independiente, sin embargo, mantuvo la relación con Legacy y se convirtió en uno de los pocos ingenieros en los cuales el estudio confía para sus sesiones. 

Desde el año 2006, cuando se convirtió en un ingeniero independiente, Alex ha grabado y mezclado para varios de los artistas más reconocidos de la industria, al igual que con varios artistas del mundo "indie" de Nueva York.  En 2009, Alex recibió un Grammy por su trabajo de grabación y mezcla en el disco de Loudon Wainwright "High Wide & Handsome: The Charlie Pool Project" cuyo disco ganó el premio a mejor album de folk tradicional del año. El año siguiente Alex recibió su segundo Grammy por su trabajo cómo ingeniero en el disco "Wake Up" de John Legend & The Roots que gano el premio a mejor album de R&B del año. En el 2018 recibió su primer Grammy Latino por su trabajo como productor e ingeniero en el disco "Vigor Tanguero" de Pedro Giraudo que gano el premio a mejor disco de tango del año. Además de esteos premis, Alex ha estado involucrado en varios proyectos que han ganado o estado nominados para los Grammys. Algunos ejemplos incluyen "Sky Blue" de Maria Schneider, "Evolver" y la canción "Shine" de John Legend", el disco "Sing Me Back Home" de Yo-Yo Ma & the Silk Road Ensemble en el cual trabajo como productor asociado e ingeniero y por su trabajo en los discos de las obras de Broadway "Shrek" y "9 to 5". 

Alex es un ingeniero capaz de grabar o mezclar cualquier proyecto, sea cual sea su tamaño, dificultad o estilo debido a su experiencia al lado de la gente de nombre y reconocimiento en estilos tan variados como jazz, rock, folk, clásico, pop, hip hop, broadway, r&b, entre otros. Algunos ejemplos de los artistas con los que Alex ha trabajado son Sting, John Legend, Maria Schneider, Marcus Miller, Aretha Franklin, Wynton Marsalis, Juan Luis Guerra, Phil Collins, Christian McBride, Cassandra Wilson, Sufjan Stevens, Regina Spektor, My Brightest Diamond, Rufus Wainwright, John Patitucci, Max Richter y varios otros al igual que trabajar como ingeniero en las grabaciones de peliculas como "Mother" de Darren Aronofsky con el compositor Johan Johannsson, "Joker" de Todd Philips con la compositora Hildur Guonadottir y "The Revenant" de Cuaron con el compositor Ryuichi Sakamoto entre varias otras.

Oscar Zambrano nació y creció en la Ciudad de México. Después de graduarse de Berklee College of Music en 2003, se mudó a Nueva York donde comenzó a trabajar en Sound on Sound. En 2004, él y Jorge Castellanos fundaron Zampol Productions, un estudio de grabación que se enfoca en masterizar, mezclar y grabar. A lo largo de su carrera, los álbumes en los que ha trabajado han ganado 3 premios Grammy, han sido nominados a 11 premios Grammy adicionales y han obtenido el estatus de multiplatino a través de la RIAA.

Oscar ha trabajado con Esperanza Spalding, Magos Herrera, Harry Styles, Sting, Kelly Clarkson, Zoe, Justin Timberlake, Pablo Ziegler, Miley Cyrus, Max Richter, Winton Marsalis, DJ Khaled, Marco Antonio Solis, Pedro Giraudo, Nass, I'm With Her, Death Cab for Cutie, Miguel, Arizona, Prince Royce, The Shins, La Santa Cecilia, Blake Shelton, Rascal Flats, War on Drugs, Belanova, Phoenix, Train, Portugal The Man, Wyclef Jean, Arcade Fire, Jack Johnson, Fifth Harmony , DMX, TLC, St. Vincent, Charlie Puth, Alejandro Sanz, Juanes, por nombrar algunos.

Karen Wong es la Directora Adjunta del Nuevo Museo, conocido por sus plataformas empresariales y su misión: el arte nuevo y las nuevas ideas. Fue cofundadora de NEW INC (2014), la primera incubadora de arte, tecnología y diseño dirigida por un museo. La iniciativa es un modelo mundial para crear un espacio para las empresas creativas centradas en el impacto cultural y social y para apoyarlas. Wong forma parte de las juntas directivas sin ánimo de lucro de Apex for Youth, un programa de tutoría y educación para jóvenes asiáticos e inmigrantes que carecen de servicios, de la Fundación Arbutus de David Byrne, dedicada a reimaginar el mundo a través de proyectos que inspiran y educan, de National Sawdust y de Rhizome, una plataforma para el arte digital nato. Es profesora adjunta en el GSAPP de la Universidad de Columbia.

Carmen Aristegui Flores periodista egresada de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Dirige y conduce el noticiero matutino “Aristegui en Vivo” desde el portal Aristegui Noticias, y el programa de entrevistas que lleva su nombre en la cadena internacional CNN en Español; es colaboradora del Periódico Reforma.

El portal AN se ha colocado como líder en noticias digitales por segundo año consecutivo -de acuerdo al Reuters Report 2018-, y ha sido galardonado con el Premio Knight, del Centro Internacional para Periodistas (ICFJ), con sede en Washington.

Karen Brooks Hopkins es miembro de la Junta y Asesora Superior de la Fundación Onassis para el Beneficio Público. También es la becaria Nasher Haemisegger de SMU DataArts, ubicada en la Universidad Metodista del Sur en Dallas, Texas, y actualmente es directora de la Junta del Trust of Governors Island y miembro de la Junta de la Fundación Jerome L. Greene.

Karen fue empleada de la Academia de Música de Brooklyn ("BAM") durante 36 años, sirviendo como su Presidenta desde 1999 hasta su jubilación en 2015, cuando fue designada Presidenta Emérita.

Entre 2009 y 2010, fue seleccionada por la Asamblea del Estado de Nueva York para representar a Brooklyn en el Consejo de Regentes del Estado.

De 2015 a 2017, Karen fue la primera becaria superior en residencia de la Fundación Andrew W. Mellon.

Francis College, la Universidad de Long Island y el Instituto Pratt y, en 2019, recibió un Doctorado honorario en Derecho de la Universidad de Columbia. También ha recibido varios honores internacionales, entre ellos la Medalla del Rey Olav de Noruega, el Caballero de la Orden de las Artes y las Letras de Francia y el Comandante de la Orden Real de la Estrella Polar de Suecia. Durante su mandato como Presidenta de la BAM, la institución fue galardonada con la Medalla Nacional de las Artes de manos del Presidente Barack Obama.

En 2013, Karen fue nombrada una de las 50 mujeres más poderosas de Nueva York por Crain's New York Business. También fue honrada como miembro del primer Salón de la Fama de Crain's en 2015.

Karen es la autora de Successful Fundraising for Arts and Culture Organizations, actualmente en su segunda edición. En 2020, sus memorias de sus años en BAM serán publicadas por Powerhouse Books.